RUMOR(S)CENA – MILANO – Con Finale / un’Ouverture i Familie Flöz – compagnia berlinese tra le più riconoscibili del teatro di maschera contemporaneo – celebrano trent’anni di carriera, portando in scena uno spettacolo che è insieme sintesi e rilancio della propria poetica. La tournée internazionale è approdata a Milano al Teatro Menotti per la terza tappa italiana, con un lavoro che utilizza il dispositivo teatrale per riflettere sul teatro stesso, invertendo le logiche tradizionali di fine e inizio, realtà e finzione, vita e morte, platea e palcoscenico.
Finale/un’Ouverture si apre con un tradimento. O meglio, con uno smascheramento. Luci accese, manichini spogli, maschere appese come reliquie in attesa di essere abitate. I musicisti sono visibili ai lati del palco, al centro del quale ci sono anche alcuni spettatori. Laddove il teatro tradizionalmente custodisce il proprio segreto fino alla fine – rivelando gli attori solo al momento degli applausi – qui accade l’opposto: tutto è già mostrato.
Fabian Baumgarten, ideatore dello spettacolo e attore della compagnia, rompe la quarta parete e si rivolge direttamente alla platea. Microfono alla mano, tra inglese e frammenti di italiano, costruisce una dichiarazione d’intenti che è al tempo stesso introduzione e attivazione. Lo spettacolo è infatti preceduto da un micro-workshop dedicato al pubblico, perché è anche grazie allo spettatore che la magia del teatro può accadere, nel momento in cui sceglie di partecipare alla costruzione dell’evento scenico, attraversando insieme agli attori quel confine tra platea e scena, tra realtà e immaginazione. Teatro e maschere diventano portali: dispositivi che si attivano solo nello sguardo condiviso e che aprono a un mondo capace di contenere verità universali, in cui si riconoscono strutture archetipiche condivise. Durante il mini-workshop, agli spettatori sul palco viene richiesto di indossare una maschera e attraversare una cornice. Un gesto semplice che anticipa l’intero funzionamento dello spettacolo. La maschera, matrice antica del teatro, non copre: trasforma. Sospende il volto individuale e apre a una dimensione altra, dove il corpo diventa figura, archetipo, soglia vivente tra il quotidiano e un piano di realtà in cui la verità può emergere senza più bisogno di parole.
Questo smascheramento iniziale definisce il principio compositivo dell’intera drammaturgia: un movimento inverso, dalla fine all’inizio. Non si assiste allo smontaggio di un’illusione, ma alla sua nascita dichiarata. Le regole del gioco vengono esposte fin dall’inizio, chiedendo allo spettatore di partecipare attivamente alla costruzione del mondo scenico.
Da qui in avanti, nulla più viene nascosto. I cambi di maschera avvengono ai lati della scena, così come l’esecuzione dei suoni. Le quinte non esistono, o meglio, coincidono con uno spazio a parte che possiamo scegliere se includere o escludere dal proprio sguardo. Gli attori senza maschera, impegnati nella costruzione della scena, diventano invisibili per convenzione: sono le fondamenta operative di un cantiere percettivo che si compie nella mente di chi osserva. È lì che accade lo spettacolo.
Entro questo dispositivo si innesta la struttura narrativa, organizzata attorno a un principio preciso: la fotografia. Le scene non si sviluppano linearmente, ma emergono da immagini già compiute, istanti fissati e già conclusi. Da quel fermo immagine il teatro interviene per riaprire una traiettoria e percorrerla a ritroso, risalendo verso ciò che l’ha generata. Lo spettacolo procede così dalla fine al momento che l’ha resa possibile. È attraverso questo movimento che emergono tre storie, frammentarie e autonome, unite da una stessa condizione di passaggio.
I protagonisti sono infatti tipi umani sull’orlo della trasformazione: un uomo che apre un negozio notturno e perde la donna che ama; un figlio adulto che accompagna la madre nel percorso della malattia terminale; una giovane donna che abbandona la città per cercare nella natura una possibilità di senso. Frammenti di vita, traiettorie appena accennate, che vengono interrotte nel momento della svolta. Nulla viene spiegato o risolto: tutto resta aperto al riconoscimento. In questo quadro, la fotografia diventa il dispositivo concettuale dell’intero spettacolo. Ogni immagine scenica è un istante già concluso nel momento in cui appare, ma il teatro interviene per riattivarlo, rimettendolo in movimento e riportandolo indietro nel tempo. Dove la fotografia fissa, il teatro riapre. Dove l’immagine chiude, la scena dischiude.
L’allestimento scenico traduce concretamente questa logica. Il palco è costruito interamente attraverso cornici di legno (rettangoli e quadrati di diverse dimensioni) che gli attori spostano e ricompongono sotto gli occhi del pubblico. Sono coordinate minime di uno spazio che esiste solo nel momento in cui viene immaginato. E allora ecco che una cornice diventa porta, finestra, albero. E poi lavagna, bancone, fotografia. La luce ne ridefinisce continuamente il senso, dipingendo atmosfere e volumi che appaiono e scompaiono, creando spazi che da pieni si rivelano attraversabili. Ne emerge un dispositivo scenico essenziale e dinamico, di eleganza quasi matematica, capace di moltiplicare i luoghi senza mai perdere chiarezza. Anche il suono partecipa a questa costruzione dichiarata. Rumori e musiche, eseguiti live ai lati della scena, danno consistenza e tridimensionalità a un mondo visivo privo di parola. Cigolii, frizioni, micro-eventi acustici ricamano l’immagine, stratificando la percezione senza mai nascondere il processo che li genera.
Il linguaggio resta coerente alla poetica dei Flöz: precisione estrema del gesto, movimenti stilizzati e immediatamente riconoscibili che si fanno simbolo e archetipo di determinati tipi umani e caratteri psicologici. Le storie sono raccontate con una semplicità disarmante, una purezza quasi infantile priva di sovrastrutture. Nessuna spiegazione, nessuna ridondanza: azioni essenziali che riecheggiano nella mente dello spettatore. La struttura episodica evita il picco emotivo e mantiene una distanza delicata. Non cerca l’immedesimazione, ma un attraversamento: si cammina nelle vite altrui senza venirne travolti, riconoscendovi frammenti della propria esperienza, senza che questi vengano mai imposti.
E così lo spettacolo, che sembrava iniziare dal finale – attori e artificio teatrale svelati, immagini e fotografie già compiute – procede in senso inverso, costruendo progressivamente il mondo scenico a partire dalla sua esposizione. Ma nel momento in cui sembra avvicinarsi a un’origine, sceglie invece di riaprire. Il finale rimane aperto, sulla soglia di un senso affidato a chi guarda. Trent’anni di maschere si condensano così in una semplice dichiarazione: il teatro non è il luogo dell’illusione, ma una soglia da attraversare insieme.
recensione di Martina Alessia Parri
Visto al Teatro Menotti il 14 aprile 2026
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