RUMOR(S)CENA – BOLOGNA – A Teatri di Vita di Bologna, Mohábbat (sull’Iran), coreografia e regia di Afshin Varjavandi, ha intrecciato danza, recitazione e musica in una composizione dedicata alla libertà e al legame con la propria origine. Mohábbat, parola persiana che significa affetto, cura e amore, ha dato il nome a un lavoro che ha trovato nella qualità del movimento il proprio centro espressivo, evitando di trasformare la scena in una semplice illustrazione di un tema politico.
Nel buio iniziale, il suono di un vecchio telefono ha introdotto una prima immagine di distanza. Sono entrate Jenny Mattaioli e Chiara Morelli; successivamente, mentre si è levato un sottofondo di voci di folla, è arrivato Elia Pangaro. La disposizione degli ingressi ha costruito gradualmente la presenza del trio, che ha dato corpo a una famiglia simbolica in fuga dal paese d’origine, alla ricerca di libertà e di un orizzonte in cui poter vivere senza rinunciare alla propria identità. Non è stata seguita una vicenda in ordine cronologico, Varjavandi ha scelto una struttura frammentaria, fatta di memorie, parole, richiami e immagini, nella quale il vissuto individuale si è aperto a una dimensione collettiva. La qualità del movimento è stata uno degli aspetti più convincenti dello spettacolo. Le figure coreutiche hanno spesso presentato spigolosità accentuate, linee nette e una gestualità incisiva. Eppure è nella plasticità dei corpi che questa tensione ha trovato una sorprendente leggerezza.
Il gesto non ha perso precisione, ma ha saputo modulare la propria intensità, alternando durezza e fluidità. La ricerca di Varjavandi, nutrita da esperienze che attraversano gli stili urbani, la danza contemporanea e il modern jazz, ha dato forma a un vocabolario eclettico, senza ridursi a una successione di tecniche riconoscibili. La composizione ha tenuto insieme differenti qualità fisiche, lasciando emergere un linguaggio personale. Mattaioli, Morelli e Pangaro hanno sostenuto la partitura con notevole precisione e una presenza scenica intensa. Jenny Mattaioli si è distinta per la qualità tecnica e per la nitidezza con cui ha articolato il movimento, mantenendo una particolare attenzione alla definizione del gesto. La danza, tuttavia, non è rimasta confinata alla dimensione fisica: la mimica ha completato il quadro, dando spessore alle figure e facendo emergere stati d’animo che la sola coreografia non avrebbe esaurito. Gli interpreti hanno costruito un racconto in cui la condivisione convive con la solitudine, e la gentilezza non cancella la fatica né la rabbia.
Le parole recitate in farsi hanno introdotto una scrittura poetica e discontinua. «Inverno, estate e autunno / Nessuno vendeva, nessuno comprava» ha aperto un paesaggio sospeso, mentre l’invito a lasciare andare «la tristezza», «la rabbia» e «la riconciliazione» ha accostato sentimenti diversi senza ordinarli in una progressione rassicurante. La frase conclusiva, «Fermiamoci qui, per quanto riguarda il romanticismo del Medioevo», ha interrotto bruscamente il tono lirico, lasciando una traccia di ironia e di disincanto. Le parole non hanno spiegato la danza, ne hanno complicato il senso, introducendo scarti e contrasti. Anche la trama musicale ha contribuito a questa pluralità. Le sonorità legate a Makan Ashgvari, Emel Mathlouti e Safir & Otagh Band hanno dialogato con quelle di Nicolas Parent e con il dubstep inglese di Nomine. La varietà dei materiali ha evitato una cornice sonora uniforme: i brani hanno aperto spazi differenti, ora più legati alla memoria culturale, ora attraversati da ritmi e timbri lontani da essa. In un passaggio, la musica ha lasciato posto alla voce della giapponese Hatis Noit, modificando la temperatura dell’azione e introducendo una parentesi di particolare lirismo. Il rapporto fra suono e gesto è rimasto dinamico, senza imporre alla danza un andamento illustrativo.
La regia ha lavorato con efficacia anche sulla percezione dello spazio. Il palco non è mai stato completamente illuminato: il buio è tornato a occupare la scena, interrotto da singoli fari che hanno isolato i corpi e concentrato lo sguardo. A metà spettacolo, una nuvola ha progressivamente riempito il palcoscenico, avvolgendo i danzatori e ovattando per un momento l’ambiente e l’azione coreutica. Quando si è dissolta, la scena ha ritrovato una diversa nitidezza, come dopo una sospensione del tempo. I riferimenti culturali evocati dal lavoro, dalla poesia hanno ampliato il campo delle immagini senza diventare citazioni esibite. La suggestione di una stanza azzurra e della luce interiore ha trovato una corrispondenza nello spazio scenico, concepito come un rifugio immaginario, sottratto alla prevaricazione e alla crudeltà.
Il riferimento alla condizione iraniana è rimasto presente nei richiami alla libertà di espressione e all’uguaglianza di genere. Ma lo spettacolo ha trovato la propria forza soprattutto quando ha affidato questi temi alla concretezza della scena, alla tensione dei corpi, alla loro plasticità, alla relazione fra parola e movimento. La coreografia e la regia di Varjavandi hanno costruito un lavoro coerente, nel quale la varietà dei materiali non ha disperso il filo del discorso. La cura evocata dal titolo non è diventata una risposta facile, è emersa come possibilità fragile, ma concreta, di restare in relazione anche quando la distanza, il conflitto e la solitudine attraversano l’esperienza.
Visto ai Teatri di Vita di Bologna il 3 novembre 2026
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